Madrid,
Jordi Teixidor azt állítja, hogy a szín veszélyes: megérti, hogy elragadó és önzetlen eredményekhez vezethet, és nagyon óvatosan kell használni, amikor főszereplővé tesszük. Munkáiban háromnál többet ritkán kombinálnak, és némelyikben a fekete dominál, nem az a tragikus, ami a spanyol hagyományokhoz kötődik, hanem az, amit ő szeretne nyugodtnak lenni. Nem hengerrel, hanem ecsettel alkalmazza, hogy művészként jelenjen meg a festményen belül, és az emberségnek ezt a formáját adja az absztrakciónak.
Első madridi intézményi kiállítása most az Alcalá 31 teremben látogatható, Ángel Calvo Ulloa kurátora, és a „No-res” címet viseli, utalva arra, hogy a semmi fogalma iránt érdeklődik, amely soha nem teljes, hiszen a jelenlét lehetőségét is magával hozza. A semmi Nem ez a valenciai művész számára, hanem a 20. századi alkotás alapvető gondolata.
A kiállítás kronologikus tömbökbe tagolódik, de nem a szerző hatvanas évektől való evolúcióját emeli ki, hanem inkább azokat a repedéseket, amelyeket az egyes korszakokban megfigyelhetünk, és amelyek egymáshoz kapcsolják, olykor visszatérő formai motívumok (ajtók, ablakok, keresztek), máskor pedig szín- és geometriai fejlődés alapján; Mint a kurátor hangsúlyozza, vannak húsz évvel ezelőtti darabok, amelyek közelebb állnak a mostanihoz, mint az egy évtizeddel ezelőttiekhez.
Teixidor nem címzi kompozícióit és műveit sorozatokba, olyan díszletekbe, amelyeket befejezettnek tekint, ha eléri a kívánt következtetést, bár ezek nem biztos, hogy véglegesek vagy pontosak számára – itt hat közülük fogunk látni, nem vízhatlan. Soha nem érdekelte a stílus megszilárdítása, és alkotásaiban a kivitelezés sokszínűsége dominál, annak ellenére, hogy közös a geometria és a figuráció hiánya. Ezek a cselekvési módok az ő saját alkotásfelfogására reagálnak: a szerző megerősíti, hogy a művészet nem konkrét és nem is egzakt, nem is vagyunk biztosak a létezésében, és hogy a történelem (a művészet) végső célja az évszázadok során az volt, hogy képes legyen megvilágítani, mi is az alkotás.
Nagyon hajlik a filozófia és az irodalom felé, állandó és gyümölcsöző kapcsolatot talál a festészet és a szakrális között, bár a spirituálisról alkotott elképzelésünk az évszázadok során átalakult, és ma a képernyők módosítják a közelről és a természetfelettiről alkotott felfogásunkat. Teixidornak biztosan ahelyett, hogy segítenének kinézni, elkábítanak minket.
A földszinten egyfajta kápolna került kialakításra, melynek saját, masszív építészete hívja be a nézőt annak belsejébe, amely a korábbi kiállításokon is megszokott volt. Három nagyon függőleges és nagy formátumú, fekete-zöldes tónusú darabot találunk benne, de ebben a térben a művész számára nem annyira azok a művek lesznek a fontosak, mint inkább annak az élménye, aki közéjük áll: azok a reflexiók, amelyeket elősegíthetnek.
Egy kirakat elvezet bennünket ehhez a kis templomhoz, amely ennek a projektnek a gerince, amely a harminc rajzfüzetét állítja össze, amelyek részben a March Foundation cuencai és palmai székhelyén, valamint a valenciai IVAM kiállításain voltak láthatók. Nyolc közülük ennek az utolsó központnak a gyűjteményéhez tartozik; A többi Teixidor kezében marad, és nem csak vázlatokból áll, hanem azokból a megközelítésekből, amelyeket később az őket körülvevő festményeken alkalmazott Alcalá 31-ben.
Megjelenítésük bizonyos intimitásba burkolja a közvéleményt: egyfajta kreatív naplót alkotnak, és kétségeket, hibákat és sikereket rejtenek magukban. Mind a vásznakon, mind a papírra festett alkotásokon látni fogjuk, hogy a szerző produkciójában nem a téma alkotja a festményt, hanem fordítva: szerinte a festménynek magának kell megnyilvánulnia a felületeken.
A felső emeleten a legtöbb javaslata a hetvenes-nyolcvanas évekből származik, és az egyik legérdekesebbet New York és Madrid között hozták létre egy nagy papírtekercsből, amelyet a stúdiójában talált. Évekig tartó folyamat volt: mindennap vastag ceruzával húzott rá vonalakat, rutinból egy kis részt, amíg a darab elkészült, Teixidor és maga a munka fáradtsága miatt. Támogatása és ceruzahasználata ellenére nem érthetjük rajzként: közelebb áll a festészethez, sőt az akcióművészethez, és ugyanezen folyamat révén időbeli dimenziót rejt magában.
Ez az alkotás egy olyan papírra festett olajfestmény mellé került, amelyen fekete geometriák ülnek a fehéren zenei érzékkel; Úgy tűnik, nem sok közük van az előző képhez – rendet feltételeznek a szabad kéz kifejezőképességéhez képest. A művész azt állítja, hogy nagyon sokféle kompozíció származhat ugyanabból a kézből, és mindegyiknek megvan a maga sajátos érdeklődése.
A kiállítás kompozíciós eljárásainak áttekintésével ér véget, amelyben szükségszerűen a kereszt (rend és vonal) és a gesztus is nagyon jelen van: az első, mint a függőleges és a vízszintes kereszteződésének alapvető jele; mint vallási szimbólum, olyan jelentés, amely nem keres és nem utasít el; és utalásként vezetéknevének kezdőbetűjére. Teixidor nem tartja magát tisztán geometrikus festőnek, inkább olyannak, aki a geometriát eszközként használja, mert annak formái oda viszik, ahová akarja; Ezek a keresztek példák.
A gesztus elsőbbségére hivatkozva produkciójának egy részében, a természet, általában a valóság megfigyelésétől ihletett darabokat láthatunk. A valenciai sohasem fényképek alapján dolgozott, hanem a saját környezetszemléletéből. A formák azonban ebben az esetben sem lebegnek, hanem jól látható rácsok rendezik őket.
„Jordi Teixidor. No-res”
ALCALÁ SZOBA 31
C/ Alcalá, 31
Madrid
2026. február 19-től április 19-ig
