Santander,
A Botín Center bemutatja az első nagy retrospektívet, amelyet Marisol Escobar (Párizs, 1930 – New York, 2016) rajzának szenteltek, egy olyan művésznek, akinek jelenléte a hatvanas évek New York-i színterén sokkal aktuálisabb volt, mint amire ma emlékezni szoktak. Bár sokak számára ez lesz az első megközelítése Marisol munkásságának, a kiállításon nem annyira az a jelentőségteljes, hogy megmenti alakját a művészi kánon letargiájától, hanem az, hogy áttekintik munkáinak mélyreható kutatást igénylő részét: papírra vetett produkcióját. A hagyatékát őrző intézménnyel, a Buffalo AKG Művészeti Múzeummal való együttműködésnek köszönhetően új rajzokat fedeztek fel és digitalizáltak, amelyek lehetővé teszik, hogy elmélyüljünk pályafutásának ezen lényeges – és eddig kevésbé tanulmányozott – aspektusában.
Bár a szobrászat volt az, amely nemzetközi elismerést szerzett számára, a rajz mindig is központi helyet foglalt el a gyakorlatában. Ezek nem előkészítő vázlatok vagy másodlagos produkciók voltak, hanem egy autonóm nyelv, amelyből a művész gondolkodott, megfigyelt és képeket épített. Ezen a tárlaton több mint százat láthatunk belőlük, 1949 és 2016 között keltezve. A rajzok mellett a kiállításon néhány emblematikus szobor is látható, mint pl. indián bármelyik Nő gyermekkel és két báránnyalvalamint a bőséges archív anyag és több film is, amelyek segítik Marisol összetett személyiségének helyzetbe hozását.
1930-ban Párizsban született venezuelai családban, gyermekkorát Caracas és az Egyesült Államok között töltötte, majd véglegesen New Yorkban telepedett le. Egyszerűen csak „Marisol” néven ismerték – miután apai vezetéknevét kiiktatták aláírásából – egy mélyen egyedi művet dolgozott ki, mindig olyan kritikus pozícióból, amelyet nehéz volt megfejteni. Fából faragott figurái teljes méretben, gyakran közéleti személyiségek, családi és társadalmi jelenetek ihlette, annak a vizuális kultúrának a középpontjába helyezték, amely a művészetről a médiával, a politikával és a mindennapi élettel kapcsolatban kezdett gondolkodni. A tömegkultúra iránti pop-lelkülettel szemben azonban Marisol egy kényelmetlen és ironikus megjelenést mutatott be, amelyet a megkettőzés, az álarc és az identitásról való reflexió keresztezett.
A Botín Center kiállítása három „elmozdulás” köré épül fel, három olyan mozzanatra, amelyek Marisol életét és művészi gyakorlatát is végigkísérik, és amelyben ő maga állította, hogy nem emlékszik egyetlen olyan pillanatra sem életében, amelyben ne rajzolt volna.
Az első ilyen utak közelebb visznek bennünket formáló évéhez, és életrajzának egy meghatározó epizódjához: édesanyja öngyilkosságához, amikor tizenegy éves volt. Ettől kezdve a beszédet a feltétlenül szükségesre redukálta, és a rajzolásban a csendes és állandó megfigyelés egy formáját találta. Ahelyett, hogy feladta volna a kommunikációt, más helyekről kezdte kifejezni magát: a tekintet, a gesztus, a képek ismétlése. A rajzolás olyan térré vált, ahonnan az élmények rögzítése anélkül, hogy meg kellett volna magyarázni azokat.
Maga Marisol köszönti a látogatót a kiállítás bejáratánál Andy Warhol által forgatott filmen keresztül, ahol szinte mozdulatlanul pózol a szobor mellett. Nők és Kutya (1963-64), jelenleg a Whitney Museum of American Art őrzi. A jelenet egy olyan pillanatot örökít meg, amelyben a művész már kezdett felkelteni a közvélemény hatalmas figyelmét. A Los Angeles-i tanulmányok után Marisol Párizsba utazott, hogy az École des Beaux-Artsban és az Académie Julianban tanuljon, bár hamarosan csalódottan tért vissza, és New Yorkban telepedett le. Ott tanult az Art Students League-ben Yasuo Kuniyoshinál, majd a Hans Hofmann iskolában, amelynek meghatározó hatása volt. Hofmann szinte szavak nélkül tanított, amire Marisol évekkel később mélyen vizuális élményként emlékezett.
Első kiállítása Leo Castelli galériájában, 1957-ben, nyilvános elismerésének kezdetét jelentette. A kritikák nagy része azonban inkább az arculatára, mint a munkáira irányult. A New York Times még azt is felvetette, hogy szobrait „valamilyen dél-amerikai dzsungelben” találhatták meg, miközben a magazin élet Ragaszkodott ahhoz, hogy „a latin szépségként” mutassa be. Marisol, aki kényelmetlenül érezte magát a médiában, úgy döntött, hogy Rómába megy. Egy ebből az időszakból származó levelében Castelli ezt írta neki: „Hogy tudsz elmenni, amikor minden elkezdődik?” Ez a kifejezés adja a kiállítás címét, és jól összefoglalja a művész életének egy állandóságát: a mozgás, az eltűnés és az újrakezdés szükségességét.
New Yorkban Marisol olyan alapvető kiállításokon vett részt a Modern Művészeti Múzeumban, mint a „The Art of Assemblage” (1961) vagy az „Americans” (1963). Ő képviselte Venezuelát az 1968-as Velencei Biennálén, és egyike volt azon kevés nőknek, akik ugyanabban az évben jelen voltak a kasseli Documenta IV kiállításon. Warhol mellett dolgozott, és gyakran szerepelt olyan médiában, mint pl élet, Fényesség bármelyik A New York Timesa New York-i művészeti szcéna központi szereplőjévé vált.
Ezekben az években elkezdte saját arcának és kezeinek öntőformáit beépíteni a szobrokba, amint azt a bronz tanulmányban láthatjuk. Anyukám és én (1968), egy szobrot, amelyet egész életében megőrzött. A forma használata új állapotot hoz, a test megismételhető, átrendezhető egy képen belül, ami a rajzokon is tükröződik. A test töredezett, megsokszorozódik és maszkká alakul. Az ajkak, a profilok és a kezek megszűnnek egyéni jellemzőként működni, és megismételhető jelekké válnak, amelyek mozgathatók a különböző képek között. A rajz ezután próbatérként funkcionál, ahol az anatómia változékony és változékony lesz. A maszk pontosan ennek a szakasznak az egyik központi eleme lesz. Jó példa az indián (1969), a kiállítás egyik szobra. A mű újrahasznosítja a kereskedelmi ikonográfiát az ún szivarbolt indiaia bennszülött alakok hagyományosan az amerikai dohányboltok bejáratánál helyezkednek el. Azáltal, hogy saját arcát építi be a szoborba, Marisol egy szándékosan kényelmetlen azonosulást vezet be, amely megkérdőjelezi a kulturális sztereotípiákat és a „másik” bármilyen ábrázolásának etikai korlátait. A ma látható darab továbbra is kérdéseket vet fel a kulturális kisajátítással, identitástudattal és nyilvános láthatósággal kapcsolatban.
Ahogy a kiállítási szövegek rámutatnak, Marisol munkáiban „az identitás változó képként jelenik meg: hol arc, hol maszk, hol nyom, hol közös jelenet”.
A második utazás a hetvenes évekbe helyez bennünket, miután Délkelet-Ázsián és Polinézián keresztül tettünk utazásokat, amelyek alaposan megváltoztatták a kilátásait. A vietnami háború, a bennszülött mozgalmak és az Egyesült Államokban a polgári jogokért folytatott harcok közepette Marisol megszakította növekvő jelenlétét a művészeti körben, hogy hosszú időre utazzon. Ebből az időszakból származó rajzain a szín új intenzitást kap, a testek megsokszorozódnak, és írott szövegek jelennek meg a képeket kísérőként. A nemekkel és az őslakos közösségekkel kapcsolatos kérdések is láthatóbbá válnak. Olyan művek, mint a fent említett szobor Nő gyermekkel és két báránnyal (1995) bemutatja az anyaság reprezentációját, amely távol áll minden idealizálástól. Ugyanez a szoba olyan rajzokat emel ki, mint pl Menj el a halaimtól (1975) ill József főnök (kb. 1974-1980).
Ezekben az években a tánc- és színházi munkája is nagy jelentőséggel bír. A Martha Graham koreográfussal vagy Elisa Monte-val való együttműködés kiterjesztette a rajzot a díszlettervezésre és a jelmezekre. Olyan projektekben, mint pl Egyenlítői (1978) ill Kaviár (1970), Louis Falco koreográfus számára készült, a test megszűnik kizárólagosan ábrázolni, és mozgássá, felületté és átalakulássá válik.
Ez a második utazás Marisol másik nagy rögeszméjével zárul: a víz alatti világgal. Az 1968-as Velencei Biennálén való részvétel után hosszú utazást tett Indián és Thaiföldön, melynek során intenzíven elbűvölte a tengeri élővilágot. 8 mm-es filmek, akvarellek, pasztell és szobrok, mint pl Triggerfish I (1970) kétértelmű formákat mutatnak be, amelyek a biológiai organizmus és a mechanikai műtermék között helyezkednek el. Egy korra jellemző aggodalom is felhangzik bennük: a természet, a technológia és a tudományos feltárás kapcsolata a hidegháború kellős közepén.
A kiállítás egy harmadik elmozdulással zárul, talán a legintimebb és legkevésbé fizikailag. Élete utolsó éveiben Marisolnak szembe kellett néznie az Alzheimer-kórral, egy olyan betegséggel, amely fokozatosan rontotta a memóriáját és a nyelvét. Ennek ellenére a végéig rajzolt. Amikor az emlékezet töredezetté vált, munkája egyre inkább a mindennapi élethez kapcsolódott: dolgozószobájához, közeli tárgyakhoz vagy gondozója jelenlétéhez.
Halála után, 2016. április 30-án Marisol örökségül hagyta archívumát, könyvtárát, műveit és New York-i lakását a Buffalo AKG Art Museumnak, ami lehetővé tette számunkra, hogy tovább bővítsük a művész munkásságának tanulmányozását.
A Laura Vallés Vilchéz kurátora által rendezett kiállítás egyik legmeglepőbb kérdése, hogy a Marisol egész pályafutását végigfutó témakörök közül mennyiben érvényesül még ma is: az identitásépítés, a nők nyilvános reprezentációja, a kép és a maszk kapcsolata, a gondoskodás vagy akár a betegség fontossága és az emlékezet törékenysége.
„Marisol: Amikor minden elkezdődik”
LOOT CENTER
Pereda kertek
Santander
2026. május 23-tól október 25-ig
