Nyugtalan, de mindig mértéktartó, tipikus fauve-i eredetű, az absztraktba törekvő ember, akinek keresése egy városi, lineáris, részletgazdag tereprendezéshez vezetett, naiv szomszédságokkal, de lehetetlen teljesen naivnak felfogni egy olyan tapasztalt festőben, mint amilyennek bizonyult.
Gaya Nuño így 1970-ben és a 20. századi spanyol festészetnek szentelt klasszikus kötetében Fernando Delapuente Santander-i művészre (1909-1975) utalt, akinek korai halála ma fél évszázaddal ezelőtt történt; Ezeket a kategorizálási nehézségeket már régen nem tekintik problematikusnak az olyan alkotók körében, akik nem élvonalbeli vágyból dolgoztak, és hatásforrásaikat sem konkrét mozgalmakra redukálták, hanem inkább azokra a szerzőkre és forgatókönyvekre nyitották meg hivatkozásaikat, akár kortársak, akár nem, amelyek válaszoltak kereséseikre. Delapuente esetében ezek az egyszerűséghez és a kifejezési szabadsághoz, valamint a motívumok lényegéhez, az alapvetően városi és természeti tájakhoz, de a csendéletekhez és portrékhoz való törekvéshez kapcsolódnak.
Jövő januárig a Reina Sofía Múzeumhoz és a Paseo del Arte-hoz nagyon közel található Madridi Illustrious Official College of Physicians otthont ad ennek a szerzőnek a Methos Alapítvány szervezésében és Andrés Barbé Riesco kurátora által készített antológiájának. Hetven műből áll, féltucatnyi tematikus és kronológiai részre tagolva, amelyek lehetővé teszik, hogy áttekintsük a rajz szabad, de gondos kezelésében, a szín- és fényhasználatban kialakult fejlődését az első akadémiai portréitól és az újszülött nestaresi Ebro-nézeteitől a legfrissebb festményekig, amelyeket egy nyugodt vagy dühös Kantábriai-tengernek szentelt.
A körút két fauvista lenyomatú, hasonló hátterű önarcképpel kezdődik, amelyeket alig húsz év választ el egymástól; Előremozdítják azt, ami – ahogy Puerta López-Cózar a kiállítás bemutatásakor kiemelte – műfajain túl alapvető jegyei lesznek a produkciójának: a kolorisztikus lendületet, amely 1949 és 1953 között meghatározó olaszországi utazása után, valamint a különféle olasz és francia kiállításokon való szemlélés után, Van Gogh és Delam, V. CaixaFórum); kifejezői szabadság, az előbb említett festők jellegzetessége, amelyre az utolsónál különösen figyelt fel; és az a lényegiség keresése, amely több, mint mint naivitásaz egyszerűség iránti vágyként kell értenünk.
Az első nézetek, amelyek találkoznak velünk, pontosan a különböző olasz városok, kromatikus síkokból felépített forgatókönyvek, szabad tónusokkal: nem a mimézis volt a célja, hanem az érzelmi és saját tájak megörökítése.
A ravennai templomok bizánci mozaikjairól szerzett ismereteinek súlya volt abban a munkamódszerben, ahol észrevette a lapos színek rezgésének, a kromatikus területek kiszélesedésének vagy elmozdításának lehetőségeit; mérnöki szerepe is: ezek a városok több mint ábrázoltnak tűnnek a festményeken beépültnek. Ennek a szakmának az is köze lesz, hogy humorral (és fegyelmezetten) minden szerzeményét számba vette: több mint ezer, bár élete nem volt hosszú.
Ezután szemléljük párizsi nézeteit – világító az eget és az építészetet olykor uralkodó szürkeség ellenére -, a fiatalokat és az öltönyöket, amelyek egybefolytak a napellenző alatt. Les Deux Magots; és egy műteremben készült anyagi tájképek első sorozata, amelyek a vidék tellúrikus víziójára utalnak (Csupasz föld egyiknek a címe) és amelyek egyértelműen kifejezik megtisztulási vágyukat, immár földes textúrák formájában, természetes alkotások amely úgy tűnik, hogy tartalmazza azt, amiből az elsődleges környezet áll.
A tárlat egyik legerőteljesebb és legköltőibb kasztíliai tájképe a címét a kiállítás egy töredékéből kapta Utazás Alcarriába Celából (Brihuegában: Az utazó, aki ismét úton van, elgondolkodik a már megtörténteken, egy pillanatra lehunyja a szemét, hogy érezze szíve mozgását.); Benne a végtelenbe nyúló barázdák sárga és narancssárga tónusokat osztanak meg az égbolttal, Van Goghra emlékeztetve. A két nagy bővítmény között egy kis templom teszi teljessé a jelenetet: alapvonásokkal ellátott szubsztancia-összefoglaló, amely közelebb tűnik a Pavarolo Casorati, a csend festője körül rajzolt mezőihez, mint az akkori spanyol festészet sokkal okkeresebb mezőihez.
A kiállítás másik fontos fejezete madridi tájai, éjjel-nappal: Delapuente közel százhúsz alkotással látta el a fővárost. A hagyományos tereket és utcákat egyaránt – nagyon élénk tónusokkal – és monumentális területeit – nagyobb józansággal – olyan alapvetően vidám kompozíciókban ábrázolta, amelyek a madridi realistákéval együtt az elsők között voltak, amelyek a város városi életére, nem pedig a nagy hagyományokkal rendelkező környező területekre fókuszáltak. Az egyik és a másik képeinek együtt való szemlélése lehetővé tenné, hogy megvizsgáljuk, milyen sokféle megközelítésből érkezett vászonra a Madrid Villa az 1960-as években.
A kiállítás csúcspontja a Kantábriai-tenger csodálatos kilátása a sirályok alatt. Ez a tenger lett 1967 óta munkásságának középpontja, és lehetővé tette számára, hogy megközelítse az absztrakciót, olykor Turner útján, miközben egyszerű színsíkokba sűrítette felfogását a festészetről, mint horizontról vagy rejtvényről, amelyben az érzelmesség, a hit és a szigor megfér.
